第五编　古典主义时期音乐(超长!!)

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楼顶大中小发表于 2006-11-24 00:36 只看该作者

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第五编　古典主义时期音乐(超长!!)

概述
一、“古典”的含义+ f. V9 ?' K1 N. z- f
1、古希腊和古罗马的文学艺术经典（当时人的理解）0 }+ V5 G8 @" f# a- ?  m/ x# [8 ^( s
　　它们往往被西方许多时代品评为古典的东西。因为那是他们伟大文明的起源，因此他们总会回头去看看古人、古人的文化，并试图将最好的东西借用来，如文艺复兴时期，巴罗克的初期的歌剧。18世纪，古典时期，人们也以考古的方式重新发现曾经的艺术经典，史学家、美术学家都提出要将古代的经典作品作为自己时代的样板。音乐中就从使用古代的历史、神话题材为背景的歌剧就可以看出，当时人们对“古典”的崇尚。% }; I! n0 _/ v: @& ^+ H) v/ }
2、与“浪漫（派）”相对（现代人的理解）
浪漫的标志可以说是本能超越理智、想像超越形式、感情超越理性、狄奥尼索斯超越阿波罗。这也可以说是浪漫与古典的区别，“古典”一词具有这样的内涵，理智、形式、理性、日神精神。甚至可以是最佳样板的意思，说某件东西或人，是“古典的”，一种赞美并适合于做样板的范例，如称“古典的比例”，就意味着自然匀称的比例，不过度、不标新立异的适中原则（古典美人肯定不能像麦当娜）。这一勾出了古典主义时期音乐的重要特征：恰当的比例——各调之间平衡，各段之间平衡，从而使听众对作品有清楚的了解。但是严谨的作曲方式和思维，可能会使独创性较少，这一也是为什么海顿写了那么多交响乐，仅有几部出名而已的缘故。而浪漫时期的音乐家的作品虽然每个人写的不多，却可以夸张点说首首都是精品。2 ^$ }; b1 x- Y2 |. h
3、通俗音乐的反意
这个意思我们现在用的比较滥，与“流行音乐”相对而言，称为“古典音乐”，以此包含所有的类型的“严肃音乐”，不分时代、不分为什么目的而创作的音乐（器乐、声乐一勺汇）。
4、18世纪中叶至1820年左右的音乐，有时特指“维也纳古典时期”
　　这是近代一些音乐史书形成的概念，一提到古典主义时期，就是海顿、莫扎特、贝多芬的时期及其他们所带领出来的风格，称为古典风格。但客观上讲，这一时期并不单单就他们三个作曲家，也不是他们所独创了这样的风格，还有许多其他人作曲风格也是基本属于这样的风格，吸收同样的传统。! T" W9 K. z1 n' F. X+ F% U
二、划分时期
前古典时期（后巴罗克时期）：三个主要音乐现象! }- H7 J1 d' ?2 M, r: Q
维也纳古典时期6 @6 C- X  k3 \) L
三、社会背景& e3 k4 b# V: }& }+ \
启蒙运动：在思想文化领域内掀起的运动，对当时的教会权威和封建制度采取怀疑或反对的态度，把“理性”推崇为思想和行动的基础。相信实用性实验知识的效用和相信普遍自然感觉的价值。宗教、哲学体系、科学、艺术、教育、社会秩序等等，全都应该按照它们如何为个人造福来评价。提出“自由、平等、博爱”的口号。
狂飙突进运动（德国）：德国资产阶级文学运动，因德国作家克林格尔的剧本《狂飙突进》得名。它反对封建割据，批评死气沉沉的封建文艺和虚伪的道德，提倡个性解放和创作自由，歌颂“自然”，强调“天才”和“民族风格”。是启蒙运动的继续和发展。代表人物有青年时代的歌德、席勒等。
四、音乐生活& D0 Z) M; }& q* u! C. j$ n9 ]  O
1、音乐厅文化2 [4 x! X1 i+ `% _
音乐开始走出教堂和宫廷，而面向更为广阔的市民大众，在音乐厅中定期举行音乐会成为人们日常生活中时髦的活动6 F8 I% Q. a5 e$ ^! r5 w' ?
2、世俗的音乐活动繁荣
　　从大环境到小环境都表现出音乐活动的丰富多彩，从家庭到社会都在决定整个18世纪的音乐发展走向。8 V6 }; z) ]2 [
3、钢琴开始普及
　　1710年由意大利的克里斯托夫发明的一套机械，用它了制造的乐器称为能发出弱音和强音的羽管键琴，强弱琴，这就是钢琴。也就是这一使乐器产生力度变化的方法，使18世纪以后的音乐发展中，成为了重要的独奏乐器，作曲家创作的“笔”，家庭娱乐的成员（现在已经是一件必备家具了）5 Q  p  u$ H- ?6 n3 E
4、专业音乐的发展
　　音乐史知识，音乐理论和演奏技巧方面的书籍陆续大量的出版，促进专业音乐进一步发展的步伐。专业的音乐家有了其自身的价值，是启蒙运动影响的结果，开始注意到“人”的存在问题。音乐家创作中追求的理想是通俗并被人普遍理解和喜爱的音乐，自然的，世界性的音乐风格（国际化风格），贝多芬的合唱中体现的那样，全世界人民团结起来，大家相亲又相爱。格鲁克也提出这样的观点“我们将能一起寻求一种高尚的、富于情感的和自然的旋律，一种与各种语言的韵律和各民族的特征相一致的朗诵调，同时将能够确定一种方式来创造出一种适合于所有民族的音乐，并且消除各民族的音乐间可笑的差别”。因而这种“四海之内皆兄弟“的理想，是当时众多音乐家的理想。
5、音乐类型$ H) k- s, _7 G2 ?' Q+ Y+ t
世俗化，专业化，定向化9 v2 C- ?  T# Z& c" x( \
四、音乐风格) x6 [& ]2 F' @; }5 ~
这是巴罗克到古典过度时期存在的几种风格：洛可可风格（对巴罗克风格的柔化）、华丽风格（愉快的感觉）、情感风格（反理性主义的情感主义倾向）5 C- h8 O* l+ ~
五、音乐特征（维也纳成熟时期）4 _; c2 W3 N; o; ]) ^3 ]3 C, e
曲式　　　　乐句、乐段、乐章
　　　　　　　　　　——方整而明晰2 T9 B8 F( O' I7 m) Y  J
织体　　　　主调5 h" v5 W7 @8 P; {
旋律风格　　主题性质
和声　　　　三和弦、七和弦
即兴　　　　记谱替代“通奏低音”6 n. z; V+ N* o, @. q
纯音乐　　　强调形式美  j$ E! Z7 ~) Y' E" \
第一章　意大利正歌剧的改革和喜歌剧的兴起与繁荣( h4 B( m: G6 k
第一节　格鲁克和他的歌剧改革
格鲁克在大学期间学习哲学，后通过自学掌握音乐知识和技能，曾去米兰学习作曲，并受到意大利歌剧的影响，于是投身于歌剧创作中。曾会见过亨德尔，并从他的清唱剧中受益匪浅。+ d  S- b4 k# L; {; ]5 E7 I. w
喜歌剧带来的新风格给正歌剧带来的极大的冲击，人们越来越适应喜歌剧的轻松，正歌剧旧有的程式和风格及过分的歌唱炫技使格鲁克产生了对歌剧改革的想法。要求歌剧的朴实；音乐要为戏剧服务；删去咏叹调中的炫技段，加重旋律性的宣叙调，使音乐与戏剧保持统一，音乐要更具表现力。代表格鲁克歌剧改革理想的作品是《奥菲欧和优丽狄西》，其中著名的咏叹调段“我失去了优丽狄西”，将抒情与简朴完美结合。1 D1 Y9 C# U# m  x; _2 |' y
第二节　喜歌剧是兴起与繁荣
一、意大利喜歌剧! Y" d& e3 M4 @! C
喜歌剧是特点是有对白（歌剧、话剧、喜剧的综合），取材日常生活。
意大利喜歌剧，法国喜歌剧、德国歌唱剧，英国民谣剧
意大利的喜歌剧来源还要追溯到“幕间剧”。意大利第一部喜歌剧作品的佩格莱西的《管家女仆》（杨燕迪<论歌剧中的音乐>。意大利序曲（快慢快），清宣叙调。喜歌剧后来成为和正歌剧平起平坐的题材形式。* f# i" z& [& Z+ x
二、法国的喜歌剧
法国喜歌剧源自民间的集市剧，但最终促成法国喜歌剧发展的事件是1752年意大利歌剧团到巴黎演出了佩格莱西《管家女仆》，从而引起了音乐史上所谓的“喜歌剧之争”，针对法国抒情悲剧与喜歌剧的优劣展开论战，当时启蒙运动代表人物卢梭，他是大力赞颂喜歌剧风格的一派，所写的《论法国音乐的一封信》中，对法国语言及其歌剧，对吕利、拉莫创作为象征的法国传统进行了尖刻的批评，说“法国人不可能有任何音乐”。并且卢梭亲手创作了较早、在当时也很有影响的法国式喜歌剧《乡村卜者》，体现了他所追求的歌剧理想。除此，格雷特里的《狮心王理查》也是当时著名的喜歌剧作品，而且是“拯救歌剧”的雏形。
三、德奥歌唱剧, L/ W2 C( p) w/ e
四、英国民谣剧——《乞丐歌剧》
第二章　前古典的器乐（奏鸣曲、室内乐、协奏曲、交响曲）
在以歌剧为代表的声乐繁荣的同时，器乐也在这一时期有了重要的发展，那就是交响乐套曲和奏鸣曲式（奏鸣－交响套曲）的普遍运用并定型。" _  N7 x6 ~/ J* Y; p
第一节　前古典时期“奏鸣曲”和室内器乐曲的发展
一、奏鸣曲和奏鸣曲式, O& O  W, {  e0 ]
奏鸣曲从最初指统称的器乐音乐，到巴罗克后期三重奏鸣曲和独奏奏鸣曲，到了古典早期以独奏奏鸣曲为主创作，为古典奏鸣曲确立做出重要贡献。（ｃｐｅ巴赫，D斯卡拉蒂和阿尔贝蒂）。奏鸣曲与奏鸣曲式虽是一字之差，但两者的含义却相差得很远。奏鸣曲式指的是乐章内部所采用的结构形式，它由呈示部、展开部、再现部所组成，是曲式的概念。而奏鸣曲则指的是由一件独奏乐器演奏、或由一件独奏乐器和钢琴合奏的包含了几个乐章的乐曲（即套曲），是体裁的概念。. c& f  D) V, _% v, `
奏鸣曲式的魅力在于它那戏剧性的含量：这一曲式从稳定状态转向矛盾冲突（在呈示部中）然后直抵极具张力的紧张状态（在展开部中），最后又回到了稳定状态和矛盾的解决状态。奏鸣曲式在结构上并不是一成不变的，我们可以对它进行各种变形。甚至，我们还可以仅仅把它看作是组织对比主题和对比调性的一系列原则。莫扎特和贝多芬虽然都在创作中采用了奏鸣曲式，但他们所采用的具体结构却总是有着性格、长度、主题数量及处理方式等方面的不同。正是因为奏鸣曲式是如此的蕴涵变通，所以它才成为了两个多世纪以来大多数音乐作品所采用的结构形式。: }8 Z/ Q) q0 q6 v! ^2 f. T
ｃｐｅ巴赫：他开创了近代钢琴奏鸣曲的先河，古钢琴（楔槌键琴），多乐章（三），《试论键盘乐器的正确演奏法》
2、D斯卡拉蒂：单乐章羽管键琴奏鸣曲
3、阿尔贝蒂：左手分解和弦音型级所谓的“阿尔贝蒂低音”，) J% I2 n! S9 `0 T
二、其他室内器乐曲/ h9 z8 p4 U8 ]" _" t1 e  q
这时期才分出来的，从大管弦乐队序曲、交响曲和协奏曲区别，小型的室内重奏（室内乐）形式开始流行。最基本、最重要的是弦乐四重奏。里赫特（曼海姆乐派），作品预示了弦乐四重奏的结构布局。
第二节　前古典时期协奏曲与交响曲的发展
一、协奏曲
　　独奏协奏曲——羽管键琴（钢琴）协奏曲。JC巴赫突出。英国钢琴音乐的创导者。钢琴第一次用作独奏乐器的正式亮相是1768年他在英国的一次演出中。, o. H9 [6 {6 ~& b
二、交响曲* g0 R" g1 f6 x0 T# m
来源与意大利序曲。交响曲的发展带领了管弦乐队的发展，尤其是曼海姆宫廷乐队中的一批音乐家（曼海姆乐派），在这方面做出的贡献，为海顿、莫扎特、贝多芬的音乐有这重要影响。1 z  m$ q1 A( y/ q9 j# u- i! v( ~* s
首先要提到萨马尔蒂尼，他是较早重奏交响曲的人物之一，大量的交响曲作品，为后来人提供了样板。
其次就是曼亥姆乐派，他们是曼亥姆宫廷所供养的音乐家所组成的，他们都在宫廷的乐队（负有盛名）中服务，并对交响曲的发展有很大影响。斯塔米兹是曼亥姆乐派的创始人，以他为首的音乐家们确立了古典交响乐套曲的四乐章的形式：快板－慢板－小步舞曲－终曲。并在第一乐章中使用奏鸣曲式。
另外，以C.P.E.巴赫为代表的柏林乐派（北德乐派）在创作中致力于挖掘交响曲那深刻的戏剧性和细腻的情感表现，来自于“情感风格”的影响，促使交响曲在后来的发展中被提升为具有着严肃气质和深刻思想性的音乐体裁。  i' S5 D8 k' U' c9 _

第三章　第一节　海顿
一、生平/ P# p7 m0 F1 c5 X: R2 _% R
1732年3月31日（因为，海顿一辈子都否认他是在4月1日出生的，原来是他不希望别人说，他是在愚人节出生的呆子），海顿出生于离音乐之都维也纳不远的一个小村罗劳，父亲是农民，手艺人，修造马车车轮，会弹奏竖琴，母亲曾为厨娘。海顿在幼年时，声音特别清脆、甜美，因此，被人挑选到维也纳，选入到当地非常著名的圣斯蒂芬大教堂唱诗班，频繁参加一些宗教仪式、圣典，偶尔也为贵族或宫廷演出（伴宴），在圣斯蒂芬教堂呆了九年的时间，使海顿接触到宗教复调音乐风格，世俗性、娱乐性风格。十五岁的海顿开始变声，这本来就是预料中的事。但是导致他离开的原因是因为他恶作剧，剪断同学的辫子，又不愿挨打。就这样，1749年，17岁的海顿被赶了出去，开始流落街头，身无分文，从此以后必须自食其力，养活自己。一位好心人借给海顿一笔钱，使他终于能够租下自己的一间顶楼，开始积极热切地研读音乐理论，买了对位法《作曲津梁》，潜心钻研，随尼古拉•波尔波拉学习，同时也教授学生，渐渐在维也纳的音乐圈里小有名气。因为他的一个贵族学生，海顿终于进入上流社会，开始为这些演奏场合写作作品。海顿曾经有八年的时间，几乎难以餬口。但一夕之间，他又突然有了声名，人人竞相邀请他担任乐手或者音乐老师。1758年，海顿被推荐给热爱音乐的莫尔津伯爵，得到第一份长期的音乐职位，而他也从早到晚勤奋工作，珍惜这份安定的工作。他为了自己所指挥的乐团，开始尝试创作管弦乐。他的第一号交响曲就是在莫尔辛的别墅演出。事业逐渐安定的情况下，海顿决定成家。原来他爱上的是自己的一位学生泰蕾莎，但是这份爱情没有结果，因为泰蕾莎进了修道院。海顿后来娶泰蕾莎的姊姊为妻，然而结果非常不顺利。她大海顿三岁，脾气暴躁，对音乐毫无兴趣，也无法生儿育女，夫妻经常为小事争吵。尤其安娜经常绞尽脑汁激怒丈夫，而且乐此不疲。她会拿海顿的手稿来垫糕饼，或者当发卷用，海顿为了躲避这种家庭生活，更是埋首创作音乐。后因为莫尔津伯爵陷入财务困境，为了删减支出，乐团必须解散，海顿也因此失业。（海顿完成十几部交响曲，除了第一号交响曲是快慢快的三个乐章之外，也有四个乐章的组合。将单音音乐与对位法逐渐合一）; ~. \0 y5 X9 L9 h3 s  A  k! x

海顿29岁失业之后，转往匈牙利最有权势的埃斯特哈齐家族担任家臣。这位亲王爱好音乐，尤其赏识海顿的音乐表现，所以在海顿还没有完全成为乐长之前，就给予重任，负责安排整个家族的音乐活动，为亲王府的特殊场合写作音乐。而从进入艾斯特哈吉家族开始，海顿展开了他一生中事业和音乐创作非常重要的时期。从进入艾斯特哈吉家族起，海顿的命运就有了改变，老乐长去世之后，海顿必须接手写作教会音乐，因此天主教的宗教弥撒曲也成了海顿创作的另一个重点。《圣母悼歌》虽是海顿早期的创作，但地位却相当重要，不但表现海顿个人的特色和所谓的“古典”风格，也得到同期作曲家的认定和欧洲乐迷的喜爱。海顿对自己的音乐一丝不苟，即使他自己无法亲自监督，也希望别人照他的指示做到。而海顿必须操心的事还不止于音乐，例如处理日常问题，化解乐团团员之间的纷争等等，也因此而颇得人心，他的手下都称他“爸爸”。海顿体贴乐师的做法有很多的实例，但最棘手的一次是解决乐师们和亲王之间的紧张气氛，原因是很多乐师为亲王效命却不能携家带眷。他们长时间和妻子分离，也见不到家人，但亲王没有让乐师们休假的打算，所以他们只好向海顿求情。海顿一方面不能得罪亲王，另一方面也必须解决乐师们的问题，但究竟该如何是好呢？最后，海顿用音乐开了一个玩笑，委婉地表达了乐师们的心声─这就是海顿的第45号交响曲（告别）。在这首交响曲最后的乐章里面，海顿在快结束的时候加了一段慢板，让主人能体会乐师们想家的心情，而且又安排乐师们轮流演奏完自己的部分以后，就把自己的烛火吹熄，收起乐谱安静地离开，一直到最后只剩下两个小提琴手在阴暗的台上结束演出。乐曲结束之后，大家都非常注意亲王的反应，幸好亲王没有生气，似乎听出了海顿的弦外之音，于是下令第二天就让全团的乐师休假了。因为求情成功，所以这件事就成为音乐史上的美谈，但是，谁也无法预料，万一海顿触怒亲王，会有什么下场！这个结果倒是值得我们想象的，所以，“海顿爸爸”的称号绝对不是浪得虚名。俗话说，伴君如伴虎，有再高的才气也要懂得如何适时地表现，才可能让自己不蒙其害。而我们看海顿在亲王面前刻意隐藏实力，可以说是忍一时之气，保百年之身。工作中，海顿受尽了屈辱、剥削和束缚。埃斯特哈齐在与海顿签订的契约上规定：海顿必须按公爵指定的日期写成交响曲、四重奏、弥撒曲、歌剧或木偶戏的音乐；此外还要为公爵个人偏爱的古低音提琴作曲（有两组弦，上面一组有六条，用弓来拉奏，而下面的一组有九条弦，用手指来拨奏，这项乐器因为可拉可拨表现力多变，演奏技巧也相对地提高很多）；要和乐队一起排练新作品，并在规定的日期演奏；上班时要和仆人一样穿制服（绣金花的背心、白袜子）、扑香粉、戴有小辫子的假发，还要负责乐队的纪律，保管乐器、乐谱，给歌手上课；还规定，海顿只能遵照公爵大人的旨意作曲；创作新曲以后不得告之他人，更不得让他人抄录，未得大人事先知悉和准许，不得为他人作曲；等等，后期，由于海顿作品的影响面逐渐的扩大，导致雇主不得不采取开明的态度，放松对他的限制，海顿的作品越来越多的被出版、传播。身为艾斯特哈吉家族的乐长，很多的时候，海顿的创作都是由亲王指派的，其中，中音提琴三重奏自然不在话下，而宗教音乐也是在老乐长过世之后，必须继续承接的任务，所以，再加上交响曲，写作这三类乐曲就是海顿身为宫廷乐师的义务。然而，另外两种类型的曲子却不在这种情形下诞生，其中之一是弦乐四重奏，另外一项就是钢琴奏鸣曲。1776起往后的十年，海顿集中创作某一种乐曲，虽然他对这类音乐所知不多，但是却是他必须完成的工作——那就是“歌剧”。尽管海顿和大多数的作曲家一样，把写作歌剧当作毕生一定要做的事，但是提到海顿，几乎没有一个人会直觉地联想到他是位歌剧作曲家。其它的乐曲不说，只要提起歌剧，海顿在莫扎特面前绝对是甘拜下风，永远活在莫扎特的阴影里。虽然海顿在歌剧创作上不比其它作品出色，但是从1776年起，他却花了大半精力写作这类作品，尤其，尼古拉亲王在自己城堡内的歌剧院定期举行歌剧表演，海顿更要勤勉地服侍主人。1784-1785年间，巴黎成了一个重要的焦点，法国人对海顿的喜爱，积极地表现在他们一定要海顿为巴黎写一些特别的乐曲在巴黎上演，于是就有了所谓的《巴黎交响曲》。1786年，海顿54岁，从各地而来委托海顿作曲的人，可以说是络绎不绝。而在这些请托当中，有一项非常特别，而且是来自西班牙的主教，他邀请海顿为加地斯大教堂写作一部乐曲。这座教堂位在地下洞窟，里面有一个祈祷室，很多虔诚的信徒经常聚在这里祷告和研读圣经，而他们最受感动的故事，就是耶稣基督被钉在十字架上，所说的最后七句话。因此海顿为他们完成一部作品，叫做《救主在十字架上的临终七言》，或简称为《临终七言》。当时，他脱离写作歌剧已经有两年的时间，但是随着名气的拓展，他仍然得到布拉格方面的邀请，写一出新歌剧。不过，海顿回绝了，他不但没有接受，还推荐了另外一个人─那就是莫扎特。海顿从1785年起，海顿在一场私人音乐会中，接受莫扎特献上的六首弦乐四重奏之后，两个人开始有深刻的交往。当时53岁的海顿没有看轻才29岁的莫扎特，还以老天为证，当场向人称赞莫扎特的才华，继而发展一段莫逆之交。莫扎特经常公开赞扬海顿，而海顿则逢人就说，莫扎特是当今最伟大的音乐家，两个人之间没有对立和忌妒，没有师徒关系，但却情同父子。1790年对海顿来说是一个多事之秋，也是他生涯中重要的转折点。在这一年里，艾斯特哈吉家族先后走了两个人，先是伊莉莎白王妃在二月间告别人世，九个月以后，尼古拉亲王也与世长辞。尼古拉的儿子继位，但是对政治野心勃勃，对音乐毫无兴趣，他留下了军乐团，其它的管弦乐团和合唱团都解散，家族内的音乐风气也因而中断，海顿更是失去演出的舞台。突然间，海顿结束了长达29年音乐家臣的日子，像一艘失去港湾的船一样无依无靠。5 m' x& n3 Z% g# R2 ^

被艾斯特哈吉家族解聘了以后，海顿马上回到维也纳。他的名气已经在过去的几年间快速窜升，连自己也没有料到，竟然有好多条件不错的事等着他选择。但海顿刚卸下艾斯特哈吉家族的任务，尝够了那是什么样的滋味，所以不太愿意接受一些大家族的邀请职位。而同时，正在科隆的英国小提琴家兼经纪人扎洛蒙，一听到尼古拉亲王的死讯，马上也赶到维也纳见海顿，以伦敦将成为重要的音乐之都为理由，游说海顿到伦敦，并且签下写作合约，所得酬劳之高，令当时所有的音乐家都望尘莫及。尽管没有到过外地，也不会英文，但英国之行却相当具有吸引力，尽管已经58岁高龄，海顿仍然决定出发，经过17天的旅程，经历法国大革命的动乱，终于到达伦敦。
初到伦敦有兴奋也有失望。海顿不会英文，除了有专门的翻译跟着他，他也认真地上英文课。能在伦敦开始新的事业，对海顿来说，也可以说是塞翁失马。他在英国相当受到礼遇，皇室热情地接待他，听众也给他欢呼。公元1791年，英国牛津大学要授与海顿音乐博士的荣誉学位，为了向校方表示谢意，在授赠典礼上，海顿亲自指挥乐队演奏他以前的一部杰作─G大调第92号交响曲。因为是在授与学位的典礼上演奏这首音乐，所以这部作品也叫做《牛津交响曲》，它也成为海顿流传最广的交响曲之一。这部作品的手法十分娴熟，结构形式严谨，不但有丰厚的音响，也可以听出来清澈透明的配器效果。事实上，海顿不但得到听众的热爱和崇拜，尤其在贵族的社交圈里，特别受到贵妇人的欢迎。海顿和许多贵妇人都有密切的来往，有一些甚至特别投缘，若是他当时条件许可的话，可能都会有进一步的打算。不过，当时高贵的仕女们听音乐会的习惯也让海顿不以为然。因为他发现，不少美丽高贵的女士在聆听演奏的时候，会悄悄地闭起眼睛打瞌睡，童心未泯的海顿因此想出一个办法，叫这些不专心的听众好好地吓一跳。海顿作了首新的交响曲，也是他的第94号交响曲。起初并没有什么特别的地方，音乐非常地平静，甚至还有一点催眠曲的味道。那些平时打瞌睡的听众，一个一个很自然地阖上眼睛，好象忘记一切烦恼似的，睡得很舒服。没想到，忽然间所有的乐器都奏出最强的和弦，连定音鼓也被敲响了。音乐一下子变成这个样子，让一些进入梦乡的人都吓了一大跳，有些人还从座位上跳了起来，以为发生了什么事情，急着逃出门外。一直到他们看到海顿还是若无其事地演奏，才知道上了海顿的当，让他们虚惊一场。而其它的听众不但欣赏了一段出色的交响曲，也意外看到了一场难得的笑话，对音乐会效果来说，满足感加倍，让人又领会到海顿的另一项绝招。在伦敦的所见所闻使海顿从精神上摆脱了“为职务作曲”的束缚，压抑的心情得到了解放，艺术想像和艺术创造力有了明显的提高，进入了一个无拘无束的“自由创作”的新天地。在英国创作了十二部《伦敦交响曲》，成为他交响曲创作中最高的成就，自这部作品之后，海顿再没有写过交响曲。由于继任的埃斯特哈齐亲王极力的邀请海顿回去，他又返回到老的职位上。并且生活上也逐渐趋于平静和安逸。在英国期间，曾受到亨德尔的清唱剧《弥赛亚》的深深感动，于是海顿把最后的灵感和激情全部倾注到《创世纪》和《四季》这两部清唱剧中。) z9 j( A1 X' H$ V
二、创作" I  t5 d* N5 A, f. }: H3 o
1、交响曲（交响曲之父）7 s0 K7 W& l/ \% K1 Q
　　所以海顿之所以被人们称为“交响曲之父”并非因为他开创了交响曲这一形式，而是因为从他这里开始，交响曲的结构开始趋于完善，并在海顿不懈的努力创作下对后人、同行产生了深远的影响，最终交响曲得以成为一种影响深远的古典曲式结构。0 M% [& x, d+ q2 h% U, o
音乐学家们评论海顿，说他并不是一个头脑非常敏捷的作曲家，起码与他同时期的天才莫扎特相比，海顿显得有些迟钝。但是他对音乐却无比忠诚，最终天资更高的莫扎特得以成为广受喜爱的人间音乐天使，而海顿也凭借自己的努力成为一代宗师，用一句成语来说便是“勤能补拙”。实际上，莫扎特、贝多芬这两位后生小辈都从海顿这里吸取了很多基础的音乐养料，然后凭借各自的天赋开创出属于自己的惊人成就。交响曲从海顿这里开始走向成熟，而莫扎特与贝多芬则将之提高到了一个新的高峰，此后的舒伯特、马勒、布鲁克纳、布拉姆斯等人，又沿着前人奋斗的轨迹，写出了一部又一部惊世骇俗的作品。. Q  m+ `9 F0 {" l
海顿一共写了104部有编号的交响曲作品，按创作时间，大体分为四个时期“1 }0 \1 C/ k7 @9 Z/ O5 V9 B+ \; h) I
早期（60年代）：写于初到埃斯特哈齐宫廷时。海顿的《第一交响曲》创作于1757或者1759年，从1761年开始海顿在艾森斯塔特任职，写下了数十首精美的作品，充满着后巴洛克音乐的韵味。接下来是在埃斯特哈齐宫担任乐长时写下的许多交响曲。作品基本显现的古典交响曲的结构。: @. I- n' y6 L: D9 U+ L* l. A
试验阶段。《晨》（No.6）《午》（ No.7）《晚》（ No.8）《哲学家》（ No.22）《号角》（ No.31）等
第二时期（1771－1774年）：交响曲发生令人惊奇的变化，可能来源于狂飙运动精神的影响。创作中略带戏剧化的情绪，技巧上发生了一些大胆举动
《悼念》（ No.44）《告别》（ No.45）《受难》（ No.49）等。- {5 \+ H$ @, c) N
第三时期（1774－1788年）：一方面恢复了他原有的愉快、幽默、明朗，同时又变得更流畅，更细致。趋于成熟。《巴黎交响曲》（ No.82－87）《牛津》（ No.92）等。所谓的《巴黎交响曲》，总共是六部交响曲，编号由82到87，每一部都是四个乐章。先前提到，巴黎人对海顿相当推崇，认为他是当时还能展现原始大师风采的作曲家，于是最后由一个业余的音乐组织叫做“奥林匹克乐团”，出面委托海顿谱写六首交响曲，这就是《巴黎交响曲》创作的由来。委托写作交响曲的《奥林匹克乐团》，名符其实是一个非常庞大的乐团，其中小提琴就有四十支，低音提琴十支，再加上两管到四管的管乐编制，而这是至少的成员。这种已经接近百人的乐团结构，对一向只熟悉20－25人大小的海顿来说，为它作曲也是一种挑战。所以和早先的交响曲相比，巴黎交响曲呈现更丰富的音响和音色的变化，而且在品味上仍然是迎合巴黎人的音乐标准的。六部交响曲呈现海顿另一阶段的成熟和努力，而委托人也展现他们最高的诚意，不但不干涉作品的内容，也付出相当高的酬劳。每一部交响曲，海顿可得到相当于六万美金的报酬，和同期的作曲家相比，海顿是少数可以过像“自由作曲家”生活的人。不过，这也是他在艾斯特哈吉家族奉献半辈子青春和实力，过了五十多岁后才得来的展望。虽然有点迟，但是若没有先前埋头的耕耘，也不会有后来的收获，海顿的成功得来全不是侥幸，而是一步一步的累积。
晚期（1791－1792年）：成熟。《伦敦交响曲》（ No.93－104，惊愕、军队、时钟、鼓声）
2、弦乐四重奏（之父）
来源：1、巴罗克时期四声部的大型合奏，即各声部均由数人演奏，外加一个通奏低音；( u; @% a& f: ?/ i
　　　2、巴罗克的三重奏鸣曲
　　　3、受约专为四位演奏家创作室内乐（教堂主教约瑟夫——第一小提琴；领地管理人——第二小提琴；职业音乐家海顿——中提琴；著名对位法专家阿布勒希贝格——大提琴）。
从写作第一部弦乐四重奏之后，几乎有五、六年的时间海顿都没有弦乐四重奏的作品。直到1768到1772年间，海顿连续完成三组共18首弦乐四重奏，其中的作品20号，被认为是足可和海顿的交响曲相提并论，为弦乐四重奏开创新视野的创作。作品20号完成于1772年海顿四十岁的时候，共包括六部弦乐四重奏，故又总称为《太阳》四重奏，因为早期乐谱的封面有一幅日出的图画，故因此而得名。海顿还让三部弦乐四重奏的结尾，用赋格的方式来完成。赋格方式的结尾很受欢迎，经常被其它的作曲家模仿，例如莫扎特就是其中的一个。而海顿的学生贝多芬，也曾经潜心研究海顿的弦乐四重奏，获得写作弦乐四重奏的精随，而他的模板，就是自己手抄的谱，而且正是《太阳四重奏》中的第一号。《太阳四重奏》内涵的丰富和多变，影响了两个世纪内重要的作曲家，而且还持续地发挥着他的影响力。在这大约十年后再推出的一组共六首的四重奏，总称为《俄罗斯四重奏》，因为它们曾经在苏俄公爵夫妇面前演奏过，所以得名。现在认为海顿最著名的两首弦乐四重奏是D大调“云雀”和C大调“皇帝”（第二乐章主题现是奥地利国歌，取自海顿写的一首爱国歌曲《上帝拯救弗朗士皇帝》。  q9 F- R0 k: q
特征：
　　1、定型了与交响曲相似的四乐章结构
　　2、明确四个声部各自独立的地位。; T, ^1 z+ n' s: E( s+ j
　　3、慢板乐章多采用主题变奏的结构
当时与海顿同时代的法国作家司汤达（红与黑的作者），曾经描述海顿的弦乐四重奏：第一小提琴好像一位中年人，他聪明而娴于辞令，他总找话题来维持着谈话；第二小提琴是大约小提琴的知心朋友，他极力设法支持第一小提琴的话中机智的想法而很少发表自己的意见，他关心谈话的进程，宁愿随声附和而不原发表自己的主张；大提琴是一位上年纪的有学问而好讲道理的人。他支持第一小提琴时言简意赅，能抓住要点；中提琴是位有点饶舌的可爱的女人，她讲不出什么重要见解，却经常插嘴。她使谈话增添了文雅的风趣。她谈话时别人也可以乘机休息一下。但显然她私下是倾向大提琴的观点的。”很形象地说明了海顿弦乐四重奏中突出的“对话”原则。8 L, b( Z8 {3 N3 C* G, E+ n5 P
3、奏鸣曲3 Y1 ]  a0 H3 e$ E: P; \
　　从数量上来看，海顿总共有62部钢琴奏鸣曲。但是，海顿并不是一个出色的钢琴家，因此他的作品和莫扎特或贝多芬的钢琴奏鸣曲相比，似乎是弹奏这些音乐之前的练习曲，而对海顿钢琴奏鸣曲的评价大致也是如此。海顿是开创者，而莫扎特和贝多芬是集大成者。这种说法从时间上来看是有盲点的。因为，海顿写作晚期的钢琴奏鸣曲时，莫扎特已经去世，而贝多芬当时也才开始在海顿门下学习，精采的作品少之又少。海顿的钢琴奏鸣曲需要仔细地听，就能听出隐藏起来的大师风采，也更能明白古典乐派中“奏鸣曲式”的发展。
海顿早期的钢琴奏鸣曲，平易近人，大多献给艾斯特哈吉亲王，但自1771年起的作品，内容要求逐渐增高，杰出的作品多不胜数。欣赏海顿的奏鸣曲要特别留意的是海顿在力度上所做的标示，因为这些变化同时表现了音乐内涵在情绪上的转变。这样的做法渐渐被海顿视为理所当然，力度上的对比，也发展成另一种对话的方式。因此在演奏时，精确的表现力度上渐层的改变，才算真正诠释海顿对作品的想象和要求。海顿的钢琴奏鸣曲，从第一号开始，就记录了这个体裁发展的轨迹。海顿早期的钢琴独奏曲是否能说是“奏鸣曲”，这是一个值得讨论的议题。但是他对这项体裁的建立和确定，和他对交响曲的贡献一样，同样举足轻重，影响后代深远，并且成为学习的典范。/ H4 A% \4 H! ~+ X8 \
4、声乐作品
重要的是《创世纪》和《四季》。《创世纪》内容来自圣经•旧约及英国诗人弥尔顿的《失乐园》，《四季》根据苏格兰诗人詹姆斯•汤姆森的同名诗改写的。两部作品表面上看是宗教构思，但实际上是“赞美一切有生之物”，讴歌自然和人类在朴素生活中的欢乐。体现了对歌颂大地、自然和人们纯洁心灵的美学追求，具有强烈的世俗化特点。这两部作品在当时上演时相当轰动。3 B% y: |- F: U( L0 Y3 \: B- ~9 F, o
三、总结
他的创作涉及面广，其中以交响乐和弦乐四重奏最为杰出。他把交响乐固定为四个乐章的形式，并在配器上形成一套完整的交响乐队编制，为现代交响乐的发展奠定了基础。他的音乐旋律丰富，经常流露出纯朴开朗的乡间气息。在四重奏创作中，常用“说话的原则”，即把各部的主题彼此像交谈般地呼应，既有清晰的旋律，又有复调的美。此外，他在乐曲的发展中常用“主题活用的原则”，这直接启示着贝多芬“动机发展”的灵感。" V) F# Q' X( E, R+ T- z0 F

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第二节　莫扎特
一、生平
1、少年时期（1762－1773）
1756年1月27日，沃尔夫冈•阿马德乌斯•莫扎特出生于奥地利的萨尔斯堡一个宫廷乐师之家。他的父亲利奥波德•莫扎特(Leopold Mozart)原籍德国（德国和奥地利对莫扎特争夺），曾先后生有7个孩子，不过，其中5个都过早地夭折，顽强地活下来并长在成人的只有最小的儿子莫扎特和他的姐姐安娜。8 R4 T# |# t- G* ?) _( `
　　小时演奏，作曲，具有惊人的听觉和音乐记忆力——神童1 v# E5 V2 [) q$ S$ Q, l% q: w
　　在欧洲音乐史的源远长河中，自幼便显示出音乐才干者并不罕见。可像莫扎特那样早熟的奇才，能在那样小的年龄便被公认为“神童”的音乐家，确是再难找寻。他3岁就能在钢琴上弹奏许多他所听到过的乐曲片断，5岁就能准确无误地辨明任何乐器上奏出的单音、双音、和弦的音名，甚至可以轻易地说出杯子、铃铛等器皿碰撞时所发出的音高......。如此过硬的绝对音准观念是绝大多数职业乐师一辈子都达不到的。7岁时，有一次，他用父亲朋友的小提琴演奏，两天后他又在自己的提琴练习，结果说他用的小提琴比前两天奏的那把小提琴低八分之一音，结果经过测验校对，晚完全是这样。还有一次，大约是他14岁时，他在教堂内停了作曲家阿莱格里的著名的多声部合唱后，竞凭记忆写出了全部多声合唱的总谱，因此，罗马教皇授予他“金距轮”奖章。4 _0 A8 q0 l8 z5 A5 S( s% `
　　为使小莫扎特能迅速成长，列奥波尔德竭尽心血，精心栽培。对儿子的学习与训练是极为严格的，除了复杂的音乐理论与演奏技能外，还有拉丁文、法文、意大利文、英文以及文学和历安等等。
　　从1762年起，在父亲的带领下，6岁的莫扎特和10岁的姐姐安娜开始了漫游整个欧洲大陆的旅行演出。他们到过慕尼黑、法兰克福、波恩、维也纳、巴黎、伦敦、米兰、波隆那、佛罗伦萨、那不勒斯、罗马、阿姆斯特丹等等许多地方，所到之处无不引起巨大的轰动！在奥地利国都维也纳，他们被皇帝请进王宫进行表演。
　　在鲜花、掌声和欢呼的背后，是艰苦的劳动、苛刻的条件和可怕的考验。为了金钱与荣誉，列奥波尔德要求小莫扎特无论旅途多么劳累，要随时都可以当众演。为了宣扬儿子的天才，他让孩子必须满足听从突如奇来、异想天开的种种刁难性提议。如：当场视奏从未接触过的技巧艰深的乐曲；按照听众临时设想的几个低音即兴作曲，并根据指定的调性当即演奏，用多布将键盘全部蒙住而不影响弹琴；在一场音乐会上从头至尾全部演奏自已的作品，等等。并且，这样的演出几乎每每长达四五个小时之久。3 s- X/ M6 ]9 L; z! \7 c
2、萨尔斯堡时期（1774－1781）
1772年，16岁的莫扎特终于结束了长达10年之久的漫游生活，回到自己的家乡萨尔斯堡，在大主教的宫廷乐队里担任首席乐师。8 ?. O. a; s. c; l# q% L4 S
　　尽管莫扎特乃旷世奇才，尽管他享有极大的荣誉，可在大主教眼中，他不过是一个普通的奴仆，并且是一个很糟糕的奴仆。莫扎特不得不像他的前辈海顿那样，每天在前厅穿堂里，恭候主人的吩咐，随时都有可能遭到大主教的斥责辱骂，甚至严厉的惩罚。然而，莫扎特毕竟不是海顿，他具有更强的自尊心和独立不羁的果敢精神。为摆脱大主教的侮辱与控制，他于1777年再次外出旅行演出，期望能找到一个落脚之处，永远离开萨尔斯堡。
　　令人深感意外的是，这位曾轰动过整个欧洲的金光闪闪的宠儿此刻竟到处碰壁！神童已经长大，已不再是神童。昔日的神童消失了，尽管他的才华随年龄成正比地增长，可现实社会却无情地冷落了他。他不得不重新回到萨尔斯堡，而这样一来，大主教当然更加刻薄地对待他。莫扎特的辛酸与窘境是任何一个有生活常识的人都不难想象的。
　　1781年6月，莫扎特终于在忍无可忍当中与大主教公开决裂。他毅然辞职离去，成为欧洲历史上第一位公开摆脱宫廷束缚的音乐家。在当时的社会条件下，这种举动无疑极其大胆而英勇。因为，这意味着艰辛、饥饿甚至死亡。
列奥波尔德力劝他的儿子向大主教赔礼道歉，重归于好，莫扎特坚决拒绝。他在给父亲的回信中写道：我不能再忍受这些了。心灵使人高尚起来。我不是公爵，但可能比很多继承来的公爵要正直得多。我准备牺牲我的幸福、我的健康以至我的生命。我的人格，对于我，对于你，都应该是最珍贵的！
3、维也纳时期（1781－1791）+ a2 u- U, n7 z, b2 r7 n
　　冲出牢笼的莫扎特定居在“音乐之都”的维也纳，开始了一个自由艺术家的生涯。当时他年仅25岁，可离生命的终点却只有10年了。: H  P  d/ v$ y$ U
莫扎特写作之轻松与神速使他的同时代人和后辈都把他看作是无师自通、不学而成的天才（因此得到同行的嫉妒——电影）
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电影《莫扎特》本片获第57届奥斯卡最佳影片
1823年一个下雪天的夜晚，在维也纳的一家精神病院里，一个名叫安东尼奥•萨列里的老人自杀未遂。他向一位神父忏悔，讲述32年前自己妒忌和暗害天才作曲家莫扎特的经过。
　　年少时的萨列里对莫扎特的天赋异秉早有耳闻，他向上帝祈祷，希望自己有朝一日也能在乐坛成名。萨列里成年后果然当上了宫廷作曲家，并深得皇上的宠爱。但是莫扎特的到来让他感到地位和成就的双重危机，莫扎特那些才华横溢的作品仿佛是上帝对他平庸能力的无情的嗤笑，所以他发誓要千方百计找到机会来嗤笑莫扎特。于是一方面他通过诽谤动摇了皇帝对莫扎特的喜爱，并断绝了莫扎特的经济来源；另一方面又收买了一女仆安插到莫扎特家做奸细了解他家庭和创作的情况。他一次又一次用阴谋迫害莫扎特，但天性单纯的莫扎特却将萨列里视为朋友。最后，萨列里利用莫扎特对父亲之死的愧疚化装成莫扎特父亲的模样，要求莫扎特为他创作一曲《安魂曲》，他的用意就是利用莫扎特对死者的怀念加大其工作量，迫使他无休止的创作，把他的身体搞垮。莫扎特最终在贫病交加中死去，临死前萨列里还在逼迫他完成《安魂曲》的未完稿…… # K& ~- j0 }' t5 ^1 p
　　故事叙述完毕，萨列里告诉神父，上帝结束了莫扎特的生命，而要萨列里活着受罪，他的音乐已经死亡，而莫扎特的音乐却广为流传……
影片以倒叙手法，既表现了莫扎特的坎坷生平，也表现了追逐名利但却才能平庸的宫廷乐队指挥萨利埃里与才华横溢、但不谙世事的莫扎特之间的矛盾和冲突。《莫扎特》是一部既通俗又具有严肃主题思想的影片，它反映了艺术上的创新与模仿，生活中的天真与世故，人生道路上的善与恶的冲突，揭示了人类文化发展史上无知和缺乏鉴赏力扼杀天才这一可悲事实。
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纵观他的一生，除了孩提时期受到父亲的严格教诲外，的确从未得到过正式的教师指导。天才是不容否认的，但人们往往因此而忽略了天才也离不开刻苦与勤奋。1787年10月的一天，莫扎特与歌剧《唐璜》的乐队指挥库查尔兹一起散步时说：“以为我的艺术得来全不费功夫的人是错误的。我确切地告诉你，亲爱的朋友，没有人会像我一样花这么多时间和思考来从事作曲；没有一位名家的作品我不是辛勤地研究了许多次。”
　　在莫扎特身上，处处都体现出典型的艺术家天性。他是一个热爱生活、充满诗意、富于感情的人。他认为穷人最讲信义，“世界上只有穷人才是最好、最真实的朋友，有钱人完全不什么叫友谊”。他天真、单纯，总是兴高采烈。他易受感动，爱掉眼泪，具有女性般的柔情。他童心不泯，像孩子一样充满了好奇，似乎永远长不大。
　　莫扎特挚爱自己的亲人，每当他谈起父母、妻子时，脸上都不由闪现出幸福的光彩，语调也格外恬美。在神圣的婚礼仪式上，他和妻子双双落下激动的热沔。大家深受感染，都跟着一起哭了。由于他没有固定的收入，妻子康斯坦采又不善持家理财，因而婚后的生活非常穷困。为了维持日常的基本需要，莫扎特拼命工作--教课、演出、创作，应接不暇，永无休止。尽管如此，日子还是过得相当窘迫。有一年冬天的一人傍晚，朋友们到他家做客，从窗外看到夫妻俩在屋里愉快的地翩翩起舞，纷纷赞叹不已。待到进屋后才弄明白，他们因无钱买煤，不得不利用跳舞来取暖，以此熬过寒冷的冬季。
　　莫扎特晚年的生活每况愈下，身体也越来越糟，他不得不经常向朋友们求援。当他最后一部杰出的歌剧《魔笛》(The Magic Flute)首场公演时(1791年9月30日)，他已痼疾缠身。. c8 o1 ?* d! J6 a
　　《安魂曲》写到一半时，莫扎特再也握不住手中的笔......，这部传世之作的最终完成者，是他的得意门生修斯梅尔。3 b' Y8 M6 l* D) i. M
　　《魔笛》上演后所获得的巨大成功为濒临崩溃的莫扎特带来难以形容的最后的欣慰。1791年12月4日去世
　　出殡那天，狂风呼啸，大雪纷飞。恶劣的气候迫使几位送葬的亲友都中途返回，只剩下一个掘墓老人赶着灵车踽踽独行......。这是一个埋葬罪犯、流浪汉与贫民的坟场，下葬的墓穴里已有两口他人的棺材。康斯坦采当时重病卧床，没能到场。当她数日后前往坟地时，已无法找到准确的墓址。人类文明史上的一代奇才就这样无影无踪地消失了，身后留下尚未还清的债务。5 `! C5 ^# P( X; k/ m& p6 s
二、创作
比起长寿而在晚成的海顿来，莫扎特刚好相反——短命而早熟。然而就在他不足36岁的一生里，却为人们创造出数量惊人的音乐瑰宝。其中包括：歌剧、交响曲、协奏曲、室内乐、宗教音乐等等。- q  _6 W; e: j$ \( y3 L
歌剧22部；以《费加罗的婚礼》(The Marriage of Figaro)、《唐.璜》、《魔笛》最为著名；（富于个性的咏叹调和戏剧性“重唱”，序曲，他首先是个音乐家，后才是一个戏剧家）
交响曲41部，以第三十九、四十、四十一交响曲最为著名；) F4 F) C* X  Y3 F: |
钢琴协奏曲27部，以第二十、二十一、二十三、二十四、二十六、二十七钢琴协奏曲最为著名；（确立了固定的结构原则——双呈示部，附有技巧性的“华彩乐段”，三乐章套曲结构）。小提琴协奏曲6部，以第四、第五小提琴协奏曲最为著名；  |7 E+ x( Z; g  I% k
室内乐、奏鸣曲、宗教音乐

　　莫扎特的音乐典雅秀丽，音乐语言平易近人，作品结构清晰严谨，“因而使乐思的最复杂的创作也看不出斧凿的痕迹。这种容易使人误解的简朴是真正隐藏了艺术的艺术”。1 V/ _3 k: _3 ?1 Z
美国音乐学者约瑟夫.马克利斯说得好：“在音乐历史中有这要一个时刻：各个对立面都一致了，所有的紧张关系都消除了。莫扎特就是那个灿烂的时刻。”6 H, ^5 z% n5 f/ S9 e# k) s, ^

“莫扎特音乐的特点是对称、均衡”  L+ B% \& Z2 h2 s9 Z# w+ ]
他周游列国，涉猎多种音乐，什么“优雅风格”、“动情风格”、“主题明晰原则”、“主题推衍原则”、“正歌剧英雄风格”、“喜歌剧方言风格”、“宗教风格”、“世俗对位风格”等等，兼收并蓄# b7 K$ S; {+ n8 g6 F' v6 u
莫扎特的创作有着广泛的情感范围，但令人困惑的不是其无限的表情特性，而是不同的音乐千变万化的合成，是诸种情绪之间无可名状的转换，是不易用语言描述的模棱性质。$ M; C5 B( u+ }, y# |
莫扎特最富代表性的音乐“是笑声和眼泪的混合”! Z  U% |: |4 q
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               第三节　贝多芬
我们在认识一位音乐家时往往都是从他的作品入手，而后才去了解这位音乐家的生活经历，对于贝多芬，我们对他的音乐实在是太熟了，从钢琴小品《献给爱丽丝》、他的钢琴奏鸣曲开始到他的《命运交响曲》，现在我们到唱片店去买贝多芬的音乐，是非常容易的，他的作品不仅非常全，而且版本也很多，像卡拉扬、托斯卡尼尼、切利比达凯等指挥家指挥的他交响曲全集。包括介绍他的书籍、电影，甚至互联网上都能很容易找到一大堆着有关他的记载和音响资料。在我们现在是生活中做一个名人那才是真正的名利双收，当然全方位的传媒，捧一个人容易，毁一个人也容易。因此今天我主要给大家介绍一些有关贝多芬非音乐方面的情况，也可以说是他的一些轶事，让大家简单了解一下音乐背后的贝多芬是什么样的人。（听第五）+ b0 P# M' m* ~& m- \: e2 K  o
从马丁•路德确立了德国自身音乐发展的开端后，它就沿着一条光明之路（Bright Path）开始了不同寻常的路程。巴罗克时期之初，歌剧在意大利红红火火发展的同时，德国以管风琴音乐为主的器乐音乐也在逐渐发达起来，到了巴罗克晚期，出现了巴赫和亨德尔这两位大师，他们带着日耳曼民族特有的智慧和灵感，在音乐上创造了辉煌的成就。进入古典主义时期，贝多芬继承了前辈的衣钵，又创造了音乐史上的一个高潮。作为“维也纳古典乐派”的第三位大师，贝多芬在海顿和莫扎特创立并发展成熟的维也纳古典音乐的形式与风格的基础之上，又融入了自己对音乐的理解及时代给予他的艺术理想，扩充和发展了古典主义音乐，并在其它艺术形式向浪漫主义风格迈进的时候，也将音乐引入一个不同的创作空间：那是严谨的形式、崇高的信念和不屈不挠的精神所构筑的音乐建筑。9 p0 S4 S$ K8 {5 L3 H
贝多芬的每一首作品都值得听而且值得分析，在我们的作品分析课和和声课上，贝多芬的交响曲和奏鸣曲是必分析的曲目，它们古典的结构逻辑性和有些新颖之处的创作思维让我们从音乐的形式美到它的内容美都能有一个全面而清晰的认识和理解，那是非常直观的一中体验。8 q$ |( e5 m3 C% W" a* @
曾经观赏过一部记录贝多芬的电影，是从贝多芬邻居家的一个小男孩子的角度来看贝多芬的，影片采取倒叙的方法。1827年3月26日，贝多芬逝世于维也纳，3月29日举行葬礼，当天早晨天气极好，大量的群众聚集于贝多芬的住处，拥满街道和广场的人群簇拥在贝多芬灵柩的周围，万人左右的人流阻塞了维也纳街道的交通。送葬的队伍中有贝多芬的挚友，对他的音乐艺术崇拜之至的音乐界人士（其中包括有舒伯特），舞台戏剧家和诗人。队伍的行进中有一班乐队演奏着贝多芬所创作的曲子，灵柩由八位乐队指挥抬着。这种场面不能不使莫扎特的在天之灵为之嫉妒——莫扎特葬礼的参加者寥寥数人，莫扎特的灵柩刚一到达墓地，突然间的雨雪交加驱散了送葬的人们，孤零零的莫扎特被丢在了穷人的墓里。（听“英雄”第二乐章，葬礼进行曲）
影片由这里开始了一个小孩子对贝多芬的叙述。主要有六个镜头给我的印象深刻，这六个镜头可以简单的勾勒出贝多芬的真性情。+ Y4 S0 X! i9 o( H8 Q
镜头一：古老的18世纪街道市景，孩子们在玩耍，这时走来一个身材不高但很粗壮的人，他身着黑色燕尾服，头带礼帽，浓密的头发即使戴着帽子也可以看到他的凌乱，他低着头，若有所思的样子，步伐时快时慢而且嘴中哼哈不停，时而拿出笔纸写上一番。他就是贝多芬，在孩子的眼中，他是一个怪人。（图片）
（据贝多芬的私人秘书、奥地利小提琴家、贝多芬的传记作者辛德勒说：贝多芬知道如何在街上及可听穿着得体。说起这方面，直到死前的最后几天，这位大师在情况许可下喜欢费心地打扮，衣着总是十分搭调。）
镜头二：夜深时刻，贝多芬仍在钢琴旁进行着创作，从他房间中传出的是时而是柔美、迷人的曲调，时而是狂野的音流，时而是若干个凌乱的音符，那是他头脑中乐思的反映。躺在床上的孩子，被这些声响所吸引，蹑手蹑脚得来到贝多芬房间门外，从门缝中窥视到贝多芬创作的情形：他犹如一头饥渴的雄师，显得那样躁动不安，手指在空中比划着，拿着笔在钢琴谱台的纸上写几笔，停一下，在屋中踱来踱去，有回到琴旁弹上几下，又写几笔，时而大叫。　
（据辛德勒说：淋浴是贝多芬生活中不可或缺的事，他为了作曲会站在浴盆中，通常是穿著家居服，倒大量的水在他手上，一面乱叫，或者高高低低地吼出全部的音阶；过不久，他会在屋子里面踱步，眼珠子转动或固定在某处，草草记下一些音符，接著又重复倒水和乱叫。）（听拉祖莫夫斯基弦乐四重奏Op.59第一首Ｆ大调第二乐章，被当时的人攻击为“疯疯癫癫的音乐”，是他成熟时期的作品）. ^  E) u! a- F- ^
镜头三：一直畏惧贝多芬的孩子开始从音乐认识了贝多芬的心灵，其实他是善良的人，同时也是孤独的人。贝多芬与孩子在一个阳光明媚的午后，在鸟语花香、草地碧绿的河畔散步。他的行为举止已没有了创作时的激动，一切显得那样的祥和，犹如历尽沧桑的老人。这样长距离的野外散步是贝多芬生活及创作中的一部分，（图片）他风雨无阻地享受着大自然的温情，是非常惬意的一件事。贝多芬与孩子进行着愉快的交谈，述说着他儿时的故事和有关他的祖父和父母的事情。谈话是在《田园交响曲》(可以听第一乐章)的背景音乐下进行的，两个人躺在草地上，沐浴在和煦的阳光里，贝多芬回忆着往昔的时光。
（贝多芬1770年12月17日生于德国的波恩，在这个莱茵河畔的城市里，贝多芬渡过了不太快乐的童年。他的祖父（图片）与贝多芬名字相同，他在1735年到波恩的选帝侯宫廷担任男低音歌手，1746年受封为宫廷歌手，1761年升任为乐长。他是把音乐带进贝多芬家族的第一个人，很受到尊敬。贝多芬儿时的家庭生活很困苦，母亲是贵族家里的厨娘，他在提及母亲时，总是亲子之爱溢于言表，十分动情，说他是个外貌秀丽心地善良的女性，在他17岁时去世；贝多芬的父亲是唱诗班的男高音，后来由于倒嗓，成为酗酒的酒鬼。当贝多芬在幼年显示一种音乐天赋时，他的父亲便希望他成为像莫扎特那样的神童，于是4岁开始在严父的教导下学习音乐，父亲希望他能使家里的经济状况改善一些，在他22岁去世。1781年贝多芬遇到了他音乐道路上一位相当好导师——作曲家聂费（图片），他从思想上到音乐上使贝多芬的艺术视野更为广阔，聂费教他弹奏巴赫的《平均律钢琴曲集》，巴赫儿子Ｃ•Ｐ•Ｅ巴赫的钢琴奏鸣曲和克莱门蒂的奏鸣曲。1783年出版了第一首作品，是以一首进行曲为主题的钢琴变奏曲。题为“一位十岁的音乐爱好者——贝多芬作曲”。1788年结识勃朗宁夫人一家，勃朗宁改嫁魏格勒医生后，贝多芬与他们夫妇二人的友谊保持始终。这时他还结识了年轻的瓦尔德施坦因伯爵，这位伯爵成为他终生的保护人，第21钢琴奏鸣曲“黎明”就是题献给他的（听）。1792年贝多芬去维也纳从海顿学习时，瓦尔德施坦因伯爵曾在纪念册上写下诚挚的赠言“把莫扎特的精神从海顿手上接过来吧。”这给予贝多芬以极大的鼓励和嘉勉。1789年，贝多芬除了接受乐器演奏与音乐创作的基础训练外，还去波恩大学旁听哲学课，并且热情地崇拜当地最激进的一位启蒙学者——波恩大学文学教授施奈德。在他的影响下，贝多芬开始广泛地诵读希腊文和拉丁文的古典文学及莎士比亚、歌德、席勒等人的作品。这就是贝多芬波恩时期的生活。我们教材中划分的维也纳时期、创作成熟时期、创作晚期这三个时期是现已普遍被承认的贝多芬创作时期，这是德裔俄国音乐史学家威廉•冯•伦茨在《贝多芬及其三种风格》一书中提出的，其中并不包括波恩这段时期。）1 C3 Z+ W8 u) c$ M
镜头四：1800年贝多芬开始听觉不良，而后耳聋日渐加剧，直到1819年耳朵完全聋了。失聪剥夺了他欣赏音乐和倾听他自己作品的权力，使得他的创作愈加困难，与人交谈成为障碍。贝多芬满面痛苦的表情，坐在琴旁，努力地听着自己弹出的音响，甚至贴在琴板上，但那是徒劳的。这时，小男孩走进来，到桌旁拿起机械家曼扎尔（节拍器的发明者）为贝多芬特质的听音器递为贝多芬。（图片）贝多芬并不喜欢这个“丑而笨重”的东西，把它做为生活中的一部分这是不能容忍的，而又是无可奈何的。贝多芬无奈地从小男孩手中接过听音器，说了声谢谢，把听音器一端插入琴弦中，一端对准耳朵，这时贝多芬的脸上露出微笑，于是整了整不雅的衣着，依次得弹起音符来，并不断得往谱纸上写着，小男孩看着贝多芬那孩子般的动作也笑了。
（1801年贝多芬与朱丽叶塔•朱奇阿底坠入爱河，并创作完成了第14奏鸣曲“月光”题献给她，朱丽叶塔是布伦斯维克伯爵的外甥女。（听）第23钢琴奏鸣曲“热情”就是题献给布伦思维克伯爵，他的长女德蕾莎1799年成为了贝多芬的学生，从此贝多芬就与伯爵的家族有亲密的来往，并得到伯爵子女的喜欢。（图片）贝多芬与他们的交往关系比较复杂如果大家感兴趣的话可以看看三联书店出版罗曼•罗兰著的《贝多芬伟大的创造性年代》。但就在第二年1802年，朱丽叶塔与另一位有钱的伯爵结婚了，这才使贝多芬意识到阶级差别的现实。耳聋的日渐加剧与爱情的失败刺激着贝多芬的肉体和精神，使他有了自杀的念头，并在海林根城写下遗书。我们看一下教材上206页的注释，关于耳聋这件事贝多芬起初没有告诉如何人并暗自治疗，可是不见好转，于是听医生的劝告，每年夏天都跑到宁静的海利根施塔特成静养。但是，潜藏在贝多芬身体每一个细胞中的勇气在支持着他，创作仍是他不能丢掉的部分，他要“扼住命运的咽喉”继续前进。）
镜头五：一天，贝多芬的住处来了几个有名的提琴乐手，排练贝多芬是室内乐作品，邻居们都前来观看。但由于贝多芬的耳聋，沟通是通过书面来进行的，贝多芬大喊大叫地指挥着乐手，同时在不停地写一些话在笔记本上，（图片）不停地看乐手们写给他的化，因此排练的情景显得异常混乱。贝多芬听不到音响效果，情绪格外激动，乐手们也弄不清他需要什么样的演奏，没过多久，乐手们在贝多芬的暴怒下纷纷离去，排练以失败告终。3 U$ b; V3 h! Y) }( X0 X
（由于耳聋的缘故使贝多芬的原本就桀敖不训的性格更为暴戾。从他最初接触到上层社会时，就以他不同寻常的性格举止及独特个性的音乐才能得到许多贵族家庭的倾倒，这样就使得他的地位大大不同于他的老师海顿。海顿当宫廷乐师时与埃斯泰哈齐家族签订的合约：要求必须有节制，对他的乐手不显露傲慢，而是温和宽厚，坦率冷静。海顿应该注意穿白色长裤，白色亚麻外衣，扑粉，扎辫子或戴假发。他应该保持模范举止，不表现出不适当放肆，在饮食和谈话上不粗俗。而对于贝多芬那份合约是不可能存在的，而且他也没必要这样卑躬屈膝。贝多芬二十一岁到维也纳时，不像宫廷里管弦乐团的人靠领薪俸度日。维也纳社会比波昂稍微进步些，钢琴家如果受到欢迎，通常被叫到贵族私宅演奏，教些名门子女钢琴就可以维持生计。尽管如此，贝多芬当时还是希望有固定收入，想成为拿破仑弟弟的宫廷乐师长。有心的维也纳贵族们挽留他，讨论决定发给他年薪，受此恩惠的贝多芬因此没有成为侍从地位的人，得到"固定收入" 。这种丰厚收入的来源叫做 "进献" ，贝多芬将自己的作品进献给贵族和富裕的朋友，被进献的一方为了酬谢，理所当然的将赏钱送到作曲者那里，总之，贝多芬并不是贵族社会的侍从，比较像是中国春秋战国时代的 "食客"。1809年7月初，维也纳从法国军队的第二次占领下解放以后，贝多芬住在李希诺夫斯基公爵的庄园里。有一次，公爵要求贝多芬为住在他家里的法国军官演奏音乐，贝多芬严词拒绝，并愤然离去，事后并写信给公爵说：“公爵之所以为公爵，逝世由于偶然的出身；贝多芬之所以为贝多芬，则全靠我自己。公爵现在有的是，将来也有的是，而贝多芬却只有一个。”罗曼•罗兰著有一本《歌德与贝多芬》，这应该是一本很好看的书，两为分别在文坛和乐坛创造了辉煌的成就，多少个世纪来，人类的智慧才孕育出这两位罕见的天才，他们都按着自己独特的轨迹运行着，始终遥遥相望。巨星的吸引力和离心力都太巨大了，多少年，命运似乎都在准备着这两颗巨星相遇的壮丽的奇观。贝蒂娜是歌德的情人，同时也是贝多芬音乐的崇拜者，于是通过这位女性二人相遇了。（图片）歌德是贝多芬心目中崇拜的偶像，他从童年时代起就沉浸于这位伟大的诗篇中。（为歌德戏剧哀格蒙特写序曲。听）想像他是应该逆流而上的勇士，是应该充满浪漫气息的才子，而相见时却是应该穿着织锦花边的白衬衫、佩着勋章的黑礼服、温文尔雅的贵族，他有些失望。歌德在贵族中所表现出来的谦恭的态度甚至使贝多芬恼怒，1812年夏，贝多芬挽着时而歌德的手，在捷克温泉城泰普里茨的路上散步，遇到一群路过的皇后、公爵和全体朝臣。贝多芬对歌德说：“这里应该让路的是他们，不是我们。”歌德对此采取了截然不同的态度，他抽出了被贝多芬握着的手。脱下帽子，退到路边。贝多芬却径直朝大公爵的人群中走去。他只是稍稍碰一下自己的帽沿。公爵们谦恭地让路，并友好地向他致意。贝多芬走过他们的行列以后。就停下来等候继续毕恭毕敬地向他们鞠躬的歌德，然后对他说：“我等您是因为我敬重您，您是值得敬重的，但您对他们却过于尊敬了。”另一方面，贝多芬对待仆人的态度像一头恶熊，平时除了怀疑他们会藏小钱，甚至觉得菜作的不好就对仆人丢生鸡蛋，换仆人对他来说好像是一中例行公事。）# o9 V6 y9 V8 ]" Q7 A6 S1 D
镜头六：《第九交响曲》公演，（图片）由贝多芬亲自指挥，这时贝多芬的耳朵已完全听不到任何声音了，但他的热情极高，似乎他血管中血液流动的速度也加快了好几倍，音乐厅中坐满了人，包括邻居家的小男孩。演出开始，乐队有序地进行着各个乐章，合唱的加入使气氛进入高潮，直至最后一个音符响起，听众们全体起立欢呼不已，掌声和喝彩声不绝于耳。而贝多芬贝朝着观众，全然不知，仍然舞动着双手，指挥着乐队，直至女低音歌唱家翁格女士拉他转过身后，他才意识到演奏已经结束，从观众的面部表情和动作中已捕捉到自己的音乐被肯定的讯息，但他在自己无声的世界中，仍不知道到底发生了什么！（听）3 a. o$ @# e; B  C9 V. b
（耳疾是贝多芬非常痛苦的根源，一位在音乐上前程似锦的年轻人，却发现再也无法从演奏中听到自己所创作的音乐，除了影响与人的沟通和脾气外，对于音乐方面的影响，对贝多芬必定有不少限制。没有听力的指挥实在很难做到称职，虽然贝多芬后来锻链到能够用视力判断乐团演奏的强弱，可以纠正一些演奏室内乐的弓法问题，但是在驾驭乐团上仍无法胜任，指挥能带给他多少附加财富不得而知，或许贝多芬不耳聋的话，将会重大改写指挥历史。但是可以推测，贝多芬所用的和弦能力可能只限于他耳朵未聋之前。）! [# |$ _4 v8 ~" u
贝多芬做为音乐史上的枢纽人物自始至终怀有自由、平等、博爱的信念和世界大同的崇高理想，因此国家和人民的命运一致是与他的创作息息相关的。贝多芬的思想受到法国“启蒙运动”和德国“狂飙运动”的影响虽然从小接受天主教洗礼，但是他的宗教观点很少受到教条影响，反而与启蒙时代盛行的自然神论有心灵上的契合，（18世纪法国资产阶级革命以前，法国资产阶级进步思想家如伏尔泰、卢梭等人所进行的文化教育运动，其特点是对当时的教会权威和封建制度采取怀疑或反对的态度，把理性推崇为思想和行动的基础。在哲学上，倾向于自然神论或无神论。在政治上，主张开明专制制度或民主政体）（18世纪7、80年代德国资产阶级文学运动，它反对封建歌剧，批评死气沉沉的封建文艺和虚伪的道德，提倡个性解放和创作自由，歌颂“自然”，强调“天才”和“民族风格”，是德国启蒙运动的继续和发展。代表人物有青年时代的歌德、席勒等），据辛德勒记载，贝多芬有这三句箴言放在工作桌前，做为一生信仰的指引。" m6 s: z+ k3 Z
1、我是无所不在0 I' S/ Z) b5 U. d( n
2、我是一切，现在如此，过去如此，未来亦复如此" ]8 ~  _: Z9 ~5 p9 y3 T
3、我们常需要名字来指出事物与事物的差别，他是一切，所以不需要有名字。& d/ c& l2 L; a! |2 @( L! Q# @
这三句埃及大地女神箴言展现万物一体的宗教信仰，与自然神论宗教观符合，因此成贝多芬最欣赏的箴言。' B/ n4 g! k0 ^- F& ~% P/ ^& X! m4 w
贝多芬是一为打破古典形式的古典音乐家，更被普遍誉为是集古典主义之大成，开浪漫主义之先河的大师

创作：# T& t3 C' f9 E3 }5 v5 R
分三个阶段：（德裔俄国音乐史学家威廉•冯•伦茨在《贝多芬及其三种风格》一书中提出的，其中并不包括波恩这段时期），分期看教材：这只是一个大致的划分
1、1792-1802：第一交响曲、第二交响曲、前20首钢琴奏鸣曲、6首弦乐四重奏
2、1803-1816：三到八交响曲、三到五钢琴协奏曲、21到26钢琴奏鸣曲、拉祖莫夫斯基四重奏、小提琴协奏曲及“克罗采”“春天”小提琴奏鸣曲、歌剧《费德里奥》、戏剧配乐《哀格蒙特》《科里奥兰》芭蕾舞音乐《普罗米修斯》（这几首配乐的序曲较为出名）
3、1816-1827：第九交响曲、最后５首钢琴奏鸣曲、最后６首弦乐四重奏、迪亚贝利主题变奏曲、庄严弥撒、声乐套曲《致远方的爱人》) {+ s4 s- n$ z4 f4 g, v
是一个继承——成熟——发展的过程
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按不同体裁——交响曲、钢琴奏鸣曲、协奏曲、变奏曲、室内乐（钢琴三重奏、弦乐三重奏、四重奏、五重奏，管乐重奏）、歌剧及戏剧配乐、序曲、弥撒曲（两首）、歌曲
器乐：% o4 a% X5 a" B: \$ V' F
贝多芬的不仅创作领域广泛，而且在各个领域中都创造了相当大的成就，比较突出的有9首交响曲、32首钢琴奏鸣曲、17首弦乐四重奏（书上写的是16首）、一部歌剧《菲岱里奥》和一部庄严弥撒曲。在器乐和声乐中他最大程度的发挥自身的创作能力，从作品的篇幅、音乐的张力到精神内涵及对古典主义音乐的继承和发展上都有了自己新的理解。
交响曲对于贝多芬来说是更大、更广、更自由的创作视野，在交响曲中能带出大的问题，在其中思考并得以解决，如著名的《命运交响曲》就是从提出问题到解决问题的过程，而其中“命运”的动机也成为了贝多芬的标志性因素，常常成为他创作思想的一个象征。交响曲提供给贝多芬充分披露心中感情，展露思想的空间，因此他的交响曲已经没有了海顿和莫扎特交响曲中的程式化，每一首都有它自己的个性和新意。
（教材上的分类，第一和第二维也纳古典主义传统特点；3、5、7、9贝多芬式结合法国革命音乐的雄伟壮丽性格；4、6、8接近浪漫主义，抒情性，幻想式，具有浪漫气息）第一交响曲和第二交响曲属于他的早期作品，所以个性上不是十分明朗，明显可以感受到他跟随海顿学习的结果。第二交响曲中的小步舞曲乐章已经采用了“谐谑曲”风格。* D  @+ L! O  G) Q$ r
《降E大调第三交响曲“英雄”》是贝多芬个人风格完全成熟的标志，它曾被誉为古典交响曲里程碑式的作品。这部作品不仅仅为了他心中理想的民族英雄和革命领袖拿破仑而创作，英雄的概念更多的是具有人民群众的性质，以个体来映射全体，是体现普遍意义上英雄形象，贝多芬心中的英雄就是他在作品中体现的勇敢、乐观的斗争精神，坚强的意志和真挚的感情。贯穿于整个作品就是革命英雄主义精神。首先看一下教材对第一乐章的分析。第二乐章，与柏辽兹《罗米欧与朱丽叶》（Ｂ2）和瓦格纳《众神的黄昏》（7）的葬礼进行曲作一下比较。它为19世纪交响音乐创了新例。第四乐章运用了舞剧配乐《普罗米修斯的创造物》中普罗米修斯的主题。（普罗米修斯是希腊神话中造福人类的神。曾为人类盗取天火，并传授多种手艺，因此触怒主神宙斯，被琐在高加索山崖，每日遭神鹰啄食肝脏，夜间伤口愈合，天明神鹰复来。他宁受折磨，坚毅不屈，最后神鹰被赫拉科勒斯杀死，始获解救。在欧洲文艺作品中，他一直是个敢于抗拒强暴，不惜为人类幸福牺牲一切的英雄形象。）贝多芬拿普罗米修斯比喻拿破仑。% o8 M2 \+ z/ b/ Y2 D3 e

《d小调第九交响曲“合唱”》是贝多芬以全部的生命向着自己的也是人类文化的最高峰冲去。有人说，贝多芬这部交响曲是为了配合歌德的《浮士德》，《第九交响曲》是唯一可以与《浮士德》相媲美的。政治的黑暗及疾病的折磨，让这位老人已疲惫不堪，而他那从痛苦到欢乐，由黑暗到光明的信念却始终没有动摇。在青年时代贝多芬就十分喜爱席勒的诗歌作品，尤其是他的《欢乐颂》体现了贝多芬所要追求的理想境界。把《欢乐颂》写入他的交响曲中是贝多芬一直以来的夙愿。其实从1793年时贝多芬就有了为《欢乐颂》谱曲的意图，而前后琢磨了30年，（教材）歌曲——合唱幻想曲——第九末乐章。* Q- `. q/ Q- e! Z' X* P
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最终才最后在《第九交响曲》中完成。所以他在创作《第九交响曲》的过程中，花费所有的心思来设计如何加入《欢乐颂》。在贝多芬之前，交响曲从未加入过人声，使人声成为参与音乐的一件“乐器”，因此，贝多芬的这一创举可谓具有划时代的意义。也成为后来作曲家们效仿的范例。0 @& H' w1 f+ [
他的交响曲所达到的高度，在半个世纪内，无人赶超。德国浪漫主义作曲家布拉姆斯，他的《第一交响曲》从二十余岁是便已开始创作，直至四十三岁才完成，他的创作之所以经历了这么长时间，他自己说是由于他的背后始终站着一位巨人，要超越他不是一件易事。而布拉姆斯成功了，《第一交响曲》首演之后，很快就被誉为是“贝多芬的《第十交响曲》”。3 [" ^1 q/ t4 J/ x3 r
有一种乐器被贝多芬用全新的办法使用，那就是铜鼓( Kettle drum)。贝多芬时代的铜鼓，和现代交响乐队所用的塑料皮定音鼓完全不一样；因为它们更小，有一个动物皮的蒙子，发出一种完全不同的音响，更便于转调变音，更富色彩；而当代定音鼓则丰满、圆润。; _* d1 B0 _* d5 p& q
正是研究贝多芬的著名专家奥托科兰坡尔多年以前曾经说过：指挥演奏贝多芬交响曲是非常困难的，因为自从他写了这些乐谱以后，乐器就改革了，而且什么都变“大”了。5 }7 W1 ^8 `: h1 ]7 P1 u( p
在贝多芬的谈话记录和同时代的报导里，贝多芬非常怀疑当代的演奏家是否具有实现他的要求的能力，因此他很欢迎节拍机的发明。先不管他那个节拍机是否有时会有问题，贝多芬头脑中所听到的速度比一个庞大的乐队在有回声的演奏厅、在正常情况下所能奏出的要快。有这样的证明，当贝多芬面对一个比他要求大得多的乐队时，速度就降了下来，这使他很烦恼。他更喜欢一个由大约60人组成的乐队所发出的凝聚而精练的声音。% K. |, d0 n2 ?  P8 y
钢琴奏鸣曲是贝多芬创作中最先成熟起来的体裁，在贝多芬的钢琴奏鸣曲中，他尽可能地运用一切手段，来表达内心的感触，抒发各样的情感以及成为他交响曲创作的试验田。事实上，在他的整个创作道路中，钢琴奏鸣曲已成为他与现实对话的一种媒介。罗曼•罗兰曾把巴赫的《平均律钢琴曲集》比作《旧约全书》，并把贝多芬的三十二首钢琴奏鸣曲比作《新约全书》，而《f小调钢琴奏鸣曲“热情”》确是其中最伟大的作品，展现他创作成熟的风格。它伟大于感性与理性的结合，伟大于戏剧性的创作，伟大于形式的完美。标题“热情”并非贝多芬所题（是出版商所起），但也确切的表达出了作品的深刻内涵和热情的力量。其中有“命运的叩门声”。
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变奏曲（格劳特ｐ586）
谨慎地挖掘主题和动机的最大潜力。变奏出现有三种情况
用于大型曲式结构内部的一种技巧，如在回旋曲式中，正主题每次重复都变奏；或如在奏鸣曲式中，第一主题在再现时经过变奏: j- v5 F% S1 e4 _5 G4 C$ @
主题与变奏做为独立的乐曲
主题与变奏用作交响曲或奏鸣曲的一个乐章
贝多芬写过20首不同的变奏曲，大多数根据当时流行的歌剧曲调，如根据莫扎特《魔笛》中的曲调写的钢琴和大提琴变奏曲。尤其他晚期的《迪阿贝利主题变奏曲》可以与巴赫的《哥德堡变奏曲》相媲美。

我们接触贝多芬的交响曲和钢琴奏鸣曲的比较多的，但对贝多芬的弦乐四重奏却了解甚少，今天我们就重点来介绍几首他的作品。室内乐可以看作是贝多芬的一种笔录内心的日记或书信，营造的氛围没有交响曲热烈，但气势不减。感情色彩更加浓烈，有更多的内心体验。交响乐用配器展现丰富色彩，四重奏则以细腻的织体和精妙的韵味见长，海顿通过其八十八首弦乐四重奏和数十部其他形式的重奏作品的创作，确立了的四乐章套曲的结构形式和音乐风格，被后人尊崇为“弦乐四重奏之父”。和海顿、莫扎特的四重奏相比，贝多芬的音乐具有刚强的气质，要求更大的音响。  a! C* l; j0 N2 E2 c) S
早　期
在1798年到1800年间，一口气写下了被编号为作品18号的六部。属于早期风格。7 ]. f$ Q, O# z
《F大调弦乐四重奏》Op.18之一* e# T  n1 a: ]* l
慢乐章是一首著名的D小调浪漫曲，温柔而有热情。曾有一位名叫阿曼达的回忆当贝多芬弹给他听这首慢板，并问他有何感受时，他回答说：“这象是一对恋人的故事。”贝多芬很高兴：“对了，我想的是罗密欧与朱丽叶在地下墓穴的场景。”看来虽不善于写标题音乐的贝多芬有时也沉浸在具体的场景中。6 u: M. k# O6 T0 T
中　期
中期共有五首：作品59《拉祖莫夫斯基》三首，作品74《竖琴》及作品95号《严肃》。
贝多芬在作品59中所达到的成就已不再是海顿、莫扎特的弦乐四重奏概念了，我们有理由将作品59四重奏作为贝多芬成熟的标志，这表现在：1.音乐思想占重要的地位，创作不再受曲式的限制；2.结构上的发展变化尤其大。3.从演奏的角度看，难度大大加强，不仅是指个人技术难度高。由于转调很多，常常转调到乐器不容易产生共鸣的降D调，升F调等。有人说，中期以后的贝多芬四重奏应称作四重奏交响曲。确实如此，乐曲不仅有交响乐队的效果，更有交响乐的思维，往往会使人感觉到弦乐器太弱了，弓子也太轻了，似乎不足以表达作曲家的感情，也不能承受作曲家对音响的要求。
拉祖莫夫斯基是当时俄国驻奥地利的大使，这位富有的王子热爱音乐，有着富丽的宫殿，他经常邀请维也那的音乐家到他家里演奏音乐，贝多芬作品59号三首四重奏正是在这位俄国大使的要求下写的，是他让贝多芬认识到俄罗斯民歌的丰富和美丽，并选出了几首作为四重奏的主题，因之这三首四重奏被称为“拉祖莫夫斯基四重奏”。
《F大调弦乐四重奏 . 拉祖莫夫斯基》作品59之一
在作品59的三首中，这一首的风格还算是比较接近早期四重奏的，在音响上，贝多芬将四件乐器的表现能力做了许多探索，并试着弦乐器上创造出其他乐器的效果：如木管乐器（双簧管、单簧管），甚至风琴或竖琴。' B# Y$ n4 l0 p# {4 R/ o- X
第四乐章终曲，采用了2/4拍的俄罗斯民歌为主题，贝多芬选择了这首民歌好象有某种暗示，这首基于斯拉夫性格的民歌有种伤感又夹杂着生活乐趣的复杂情感的流露。这首终曲是具有双重性格的，即又生命和快乐的火光，也隐藏着暗淡，人们认为这是贝多芬所写的最有启发性，最有趣的乐章，甚至超过贝多芬的《第七交响曲》的终曲。/ m$ ^8 K9 X1 D# k5 n0 f
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《E小调弦乐四重奏 . 拉祖莫夫斯基》作品59之二
第三乐章小快板，这类的乐章一般贝多芬是称作诙谐曲式小步舞曲的，这首特别冠上“小快板”有它自己的特点。这既不是海顿式的农民舞蹈，也不是莫扎特式的贵族宫廷舞，贝多芬在此设计了一种新奇的节奏，充满了大师的智慧和幽默。中段时，贝多芬选了另一首俄罗斯民歌《光荣》作为对比段的材料，具有明朗的大调色彩。3 {1 f2 \! G! I6 C
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《降E大调“竖琴”四重奏》作品74
在完成作品59的三部拉祖莫夫斯基四重奏后贝多芬又回到了交响乐领域，写下了《C小调第五“命运”交响曲》，过了两年（1809年）又重新回到四重奏写作，这部四重奏是这一年里贝多芬以降E大调写成的四部作品之一。（其余三部为钢琴奏鸣曲作品78，钢琴三重奏和《第五钢琴协奏曲》（皇帝））) M3 H) ^% t/ C9 v
这首称为“竖琴”的四重奏得名来自它的第一乐章中的拨弦音型。这部作品表现了两种精神，一是他的感情意识，另一面是对生命中不幸现实的反抗决心。第一乐章慢板快板，连接部出现了拨奏的“竖琴”声， 6 W# h: v( w/ H* M5 D4 F, h' z
《F小调“严肃”弦乐四重奏》
这首F小调四重奏，同样写于1809年，这一年对贝多芬来说是他生活中痛苦的一年，爱情抛弃了他，婚约被毁。这部称为“严肃”的四重奏充满了贝多芬性格的特征：热情和悲伤，失望和愤怒。) I% b+ I6 g) T
晚期
贝多芬晚期的五首弦乐四重奏作品127、130、131、132、135及《大赋格》作品133是在贝多芬生命的最后三年内完成的。这位大师在他的头脑中肯定还有许多为交响乐、歌剧等各种体裁的音乐构思，但却将最后的时刻全部贡献给了弦乐四重奏。那是在1824年夏到1826年11月间的两年内，在身心遭受病痛、贫穷、孤独等极大的困苦情况下完成的，据说他经常是边写边哭，这五部作品也是音乐史上一位孤独的伟人在他生命最后时刻的内心独白。( u, k/ v/ y* J
自弦乐四重奏几首中期作品后，十四年过去了，这期间贝多芬的创作达到了顶峰，他受到了几为有钱势的赞助人的保护，也得到了一群朋友的温暖挚爱。1814年时他的名声达到了顶点，在维也那国会他获得了国际的荣誉，在皇帝君主面前演出了他的清唱剧……然而过了几年他的主要赞助人死了，拉祖莫夫斯基离开了维也那。贝多芬的耳聋又使他与社会隔离，1816年后，唯一与外界联系的是他的仆人，他在笔记本上写着：“在这世界上我一无朋友，是如此地孤单……”$ J0 K  m: l' T0 ~  b3 P
由于中提琴家柴尔纳的建议，俄国王子加列钦特（大提琴）写了一封信给贝多芬：“我深深崇拜您的天才，我请求您同意写一至三首新的四重奏，为此我将付给您足够的酬金，我学的乐器是大提琴，我将耐心等待您的答复。”不久他就收到贝多芬的回信，虽然不能确定何时能得到这些作品，但贝多芬答应他只要身体还好，就会去写，由于经济情况的困难，贝多芬要求每首四重奏能获得50个金币。. ?: P8 i; Q1 A
但作品在首演时并未获得理解，俄国王子写道：“我必须承认，非常渴望得到的四重奏在圣彼德堡音乐界反映是失望的，他们期望的是象作品18第一首那样的四重奏，现在的四重奏在技术上太难了，要合得上得化很长时间。”作品127号1825年在维也那首演时因只排练了两周，效果很糟，听众迷惑不解。一些评论家在经过相当长的时间耐心学习后才作出反应：“贝多芬表现的是一个新世界，是一个与世隔绝的孤独的流浪者，在深渊的边缘或在黑暗的夜色中，他唤醒了美丽升起的天堂，在阳光下所有的生物变得灿烂辉煌……”
确实，贝多芬的晚期弦乐四重奏在精神感情的强烈和深刻程度是不容争辩的，其组成方法完全是独立主观的，主题是来自作曲家灵魂深处，完全不受外界的影响。$ f( D: V- Y& P, J
晚期四重奏的一些特点：
1 除作品127、135为传统的四乐章外，作品132为5个乐章，130为6个乐章；131则为连续演奏的7个乐章。% x; k% R7 ?: Y3 E  [9 K* u
2 调性多变。/ A+ [% h; x$ \: \3 P. u
3速度多变，情绪多变。
《降B大调弦乐四重奏》作品130
第五乐章诗一般柔和的Cavatina卡瓦蒂娜（意大利语，意为短小的咏叹调），代表了贝多芬内心的音乐。按贝多芬自己说这是创作于1825年夏天，当时他正处于深度忧郁之时，他的朋友说贝多芬写这首音乐是含泪创作的：“他在精神上是这至诚，以致只要提起这段音乐，他眼泪会涌出。”这首短歌是对苦恼不能容忍的祈求，也是对快乐与和平的恳求，这是一首永不停歇的歌，一句连着一句，一下子就把听众抓住，在乐曲第43小节处，贝多芬标上了“沮丧”，此时小提琴停停歇歇地哭泣，心情十分沉重，最后终于得到了安慰，并在安慰声中远去。
《大赋格》作品1332 a" f8 q* J. A6 N
编号为133的《大赋格》原为作品130的终曲，现在多数的四重奏组将《大赋格》作为单独的曲目演奏，但也有的按照贝多芬的原意在演奏了作品130的前面五个乐章后再加上大赋格的。这里是有着两个主题和变奏的大赋格曲（双主题变奏），乐曲可分为六部分：
《A小调弦乐四重奏》作品132
第三乐章这个著名乐章是这首四重奏的高潮点，（上次杨燕迪老师讲座时提到过这个作品）贝多芬在这乐章前写下这些话：“一个渐愈病人对神的感恩节圣歌”，并注上“以利地安调式写成”。崇高的圣歌表达了他对恢复健康的感激，用了一个古代的教会调式，这与祷告般的内容有关，这种调式就象是在F大调但第四级音的B音是还原而不是降B给音乐以一种特殊的精神境界，具有较强的宗教精神。音乐包含了30小节缓慢的隆重的合唱式的圣歌。重要的第二部分“感到新的力量”，唤起了一种新的生命力，通过轻响力度的交替和节奏的生动变化，确是一种复得活力的快乐，当圣歌和第二部分再次重复后，又自由地回到了感恩歌，贝多芬在这里标上“带着非常亲密的感情演奏”。曲式ＡＢＡＢＡ。7 f5 a3 s% J2 J! `' ^) h; l
贝多芬在最后一年中曾有庞大的工作计划：他曾准备写以BACH为名的序曲，也在笔记中写下了《第十交响曲》的主题，准备考虑以歌德《浮士德》写歌剧，还准备为赞助人华夫梅因写一首安魂曲，但这些都未实现，如何解释贝多芬将最后几年全部献给弦乐四重奏写作？是否因为弦乐四重奏这种形式对一个与外界隔绝，近乎超脱尘世的老人更为合适？据贝多芬的朋友霍尔兹认为，贝多芬对弦乐四重奏是充满了无穷尽的想象的，在完成俄国王子委托的三首四重奏后，他迫不及待地又写下了升C小调和F大调的两首（131、135），也正是由于他的朋友们组成的四重奏能及时演出，贝多芬的创作才会受到鼓舞，这些成员熟悉他的风格，在他生命最后的日子里仍然与他保持着密切的关系。
纵观贝多芬的创作，他对奏鸣交响套曲形式有了自己新的诠释。奏鸣—交响套曲是在古典组曲和意大利歌剧序曲的胚胎上孕育发展而来的。兴起于十七世纪至十八世纪的古典组曲以互为对比的快、慢舞曲为音乐基础；而产生于十七世纪末的意大利歌剧序曲则是以快—慢—快的三个部分为其结构布局。在两者的影响下，具有着速度对比的快—慢—快三乐章的奏鸣—交响套曲开始得以逐渐形成，协奏曲、奏鸣曲通常采用的都是这种三乐章的套曲形式。其后，通过作曲家们的创作实践，慢板的第二乐章和快板的第三乐章之间又被加入了源于古典组曲中的“小步舞曲”来作为另一乐章，这样，快—慢—快—特快的四个乐章的套曲形式又得以确定，并广泛应用在交响曲、室内乐等音乐体裁中。贝多芬在其音乐创作实践中用更加富于生活气息的、更为急速、泼辣的谐谑曲替代了小步舞曲。但在贝多芬的具体创作中，由于作品的规模和题材的内容有所不同，乐章数量也开始以三乐章、四乐章为中心向两端作增减变化，为两乐章或多乐章的套曲形式。这样的创作实例也为数颇多，第六为五个乐章，贝多芬晚期弦乐四重奏最为明显4、5、6、7乐章等等。! i$ y* m1 U# ~7 L3 B
贝多芬对奏鸣曲式结构的成熟与发展起到决定性的作用。我们在作品分析课上都学到了，在器乐曲中，奏鸣曲式是最重要的、也是最常见一种曲式，奏鸣曲、交响曲、协奏曲、序曲、交响诗等一般都是采用此曲式写成的。一般用于乐曲的第一乐章，有的乐曲的慢板乐章和末乐章也大都采用奏鸣曲式。奏鸣曲式是单个乐章内部所采用的结构形式（又叫奏鸣曲快板形式）。它通常包含了三个主要的部分：介绍主题的呈示部；发展主题的展开部和主题回归的再现部。另外，这三个主要部分的前面会有引子，后面还经常缀以一个结尾，体现了"对比——发展——统一"的结构布局。奏鸣曲最大的特点就是在对比中保持平衡，以快慢的交替造成平衡；在奏鸣曲式中主部与副部相平衡，呈示部与再现部相平衡，等等。而在贝多芬的作品中这种对比与平衡的关系更为明显，从而使音乐能最大程度得显示出内在力量。
在贝多芬的作品中，以辩证思维的原则创造性地发展了奏鸣交响曲套曲和奏鸣曲式形式，并赋予以强烈的戏剧性和巨大的张力：如使主部和副部具有了除调性和音调以外的性格上的对置，带来了两者真正意义上的对比；同时，又将展开部的容量加以扩大，在尾声中充分地挖掘了主题发展的潜能；用谐谑曲取代了套曲中的小步舞曲乐章；在配器上注重发挥铜管、木管乐器的作用。
声乐：
贝多芬一生创作一部歌剧《菲岱里奥》，贝多芬对这部作品化了很多心血，也是他十分珍爱的一部作品。它是风格大革命时期非常流行的“拯救歌剧”的模式，拯救歌剧的法国大革命时期由喜歌剧发展而成，内容都是描写反抗暴政的英雄人物，在历尽艰险和苦难以后得到拯救的故事。贝多芬在其中没有偏爱于惊险的故事情节和外在舞台效果，而是着重在刻画主人公的崇高和真挚的感情。尤其是对女主人公的刻画也表现了贝多芬自己对这些形象的爱憎分明的态度。歌剧的形式偏重音乐，贝多芬广泛运用高度技巧性的咏叹调和富于戏剧性的宣叙调，乐队部分也占很重要的地位，还有合唱和重唱。它的形成是一个比较艰辛的过程。经过了三次修改1804-05年写第一稿，1805年11月20日演出于维也纳剧院，剧名是《莱奥诺拉》，序曲用《莱奥诺拉第二序曲》；1805-06年修订为第二稿，1806年3月29日演出于维也纳剧院，剧名仍为《莱奥诺拉》，序曲用《莱奥诺拉第三序曲》；1814年又修订为第三稿，同年5月23日演出于维也纳克恩滕门剧院，剧名改为《菲岱里奥》序曲用《菲岱里奥序曲》。贝多芬为这部歌剧写了四首序曲，第一从为用过；而第三戏剧性最强，贝多芬认为用作歌剧的序曲会起到喧宾夺主的作用，所以创作了比较朴素的《菲岱里奥序曲》，现在莱奥诺拉序曲就是第三。: f) U( v9 `* N1 V; Z- v7 j( F
贝多芬虽然只写了一部歌剧，但他还创作有几部戏剧配乐，为歌德的悲剧《哀格蒙特》，为德国诗人、剧作家科林的悲剧《科里奥兰》，为德国剧作家的《雅典的废墟》《斯蒂芬王》。创作一部芭蕾舞音乐《普罗米修斯的创造物》。哀格蒙特伯爵是16世纪荷兰的统帅，他是奋起反抗西班牙异族统治和压迫、争取独立斗争的民族英雄和领袖之一，由于西班牙派驻荷兰的总督背信弃义，他被捕入狱并被判处死刑。哀格蒙特的崇高形象和他的悲怆命运，使贝多芬甚为感到。科里奥兰是公元前五世纪罗马的一个贵族，由于政治上的原因被逐出国外，但他惑于傲慢的性格和阶级的狂妄，选择了背叛祖国的道路，带领异族军队攻打罗马，及至城下，由于他母亲和妻子的泣谏，使他在各种复杂的矛盾心情下自杀身死。贝多芬借以对这些人物的描写表现人类的最深刻的感情，包括爱情和爱国热忱等。
同贝多芬的《第九交响曲》一样，庄严弥撒（Ｄ大调弥撒曲）是他创作晚期的另一部巨作。它与巴赫的《ｂ小调弥撒曲》有着相同的性质，他们都太长太精巧，不能为平常礼仪所用，更像是用弥撒经文为经纬的一部宏大的声乐和器乐的交响曲，艺术性大于实用性。之前贝多芬创作有一部Ｃ大调弥撒，但从形式到音乐内容都不能与庄严弥撒相比。（83分）
贝多芬创作了不少歌曲。有好多以歌德的诗作为词（有一首歌曲就叫《歌德》）。主要是描写自然的，爱情的，赞美上帝的。很趣味性的表达。6 p" l; j, T$ a# r

贝多芬音乐创作中体现的思想，可以概况为自由、平等、博爱，因此器乐这种较为宏伟的形式更适合于表现，使他声乐作品略为逊色一些。但在同类作品相比较下，贝多芬的声乐作品也趋于器乐化。具有交响性。

贝多芬创作可以总结为：长度、难度和高度

[ 本帖最后由五月花开如云于 2006-11-24 00:38 编辑 ]

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